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Artistes permanents

de la galerie Prestaart

ANDRéAS

Andréas est né en 1983 à Athènes.

Dès l’âge de 15 ans il va étudier les formes, les volumes et la sensualité de la sculpture au musée Cycladique d’Athènes.

2006 première exposition Galerie 2 Matignon, Paris

2007 exposition Galerie Léadouze, Cannes

2008 il quitte la Grèce pour s’installer en France entre Paris et la Côte d’Azur mais c’est au centre de la France qu’il découvrira les résines                transparentes et commencera la collection « Fruits de la Passion »

2010 expo permanente Galerie Léadouze, Paris

Cerise

Cerise

Poire

Poire & cerise

Michel Audiard

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Sculpteur autodidacte, il créé sa fonderie de bronze à la cire perdue en 1978. Sa créativité l’ouvre sur des bijoux de quelques grammes aux sculptures de plusieurs tonnes, en passant par les meubles, stylos et statues. Rien n’échappe à cet artiste et tout prend vie entre ses mains. Dans les années 90, il s’amuse en réalisant des stylos sculptures faits de matériaux magiques (ivoire de mammouth, météorite, bois pétrifié ...) qui feront le tour du monde. Plus de 70 chefs d’états ont leur « Audiard ».

Dans les années 2000, il réalise ses premiers « Passages ». Jeu de lumière et de matière mettant en valeur l’invisible à travers ses portraits découpés dans une feuille d’acier rouillée, la rouille étant la patine du fer, l’inexorable lien au temps. Créateur prolixe, plus de 2000 passages ont vu le jour. De nombreuses expositions lui sont consacrées, récompensant son travail et qui font aujourd’hui sa renommée internationale.

Puis en 2011, le portail des Z’animaux Musiciens, œuvre commune avec Pascal Nègre, prend vie. La découverte de la couleur dans son travail est pour lui son carré Noir de Malevitch. Rien ne sera plus pareil, tout son travail sera « couleur ».

Hiver 2013, ses Z’animaux Musiciens sont couronnés de succès et s’exposent au Palais Garnier à Paris. Ses dernières créations, un monumental rhinocéros de 4,20 m de long ou « Ours, hommage à Pompon » reflètent une fois encore l’éclectisme de l’artiste avec une nouvelle orientation vers la sculpture en résine polyester. 

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Gorille - 40 cm

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Gorille

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Hommage à Pompon - résine  - 50 cm

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Hommage à Pompon - 50cm-80cm

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Hommage à Pompon - 1 m - 2,30 m

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Gorille - 40 cm

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Gorille XL - 100 x 120 cm

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Rhino - 80 cm

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Petit Rhino - 50 cm

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Rhino monumental - 4,20 m

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Chat - bronze - PLUS DISPONIBLE

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Taureau - 80 cm 

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Panthère  - 65 cm - PLUS DISPONIBLE

Melvyn BARROS

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Suite à une formation artistique à l'université Vauban à Nîmes (master en arts plastiques et en arts appliqués). Melvyn Barros élabore un style à fortes tonalités visuelles, basés sur les formes, la mosaïque, le vitrail, la couleur, l'esprit de synthèse et l'humour.

L’œuvre haut en couleur de Melvyn Barros pointe du doigt l'art conceptuel qui privilégie l'idée au regard, et qui adopte une démarche souvent théorique.

En opposition a cela ces travaux sont tout à la fois expressifs, figuratifs, grandioses, détaillés, abstraits, ressemblant à la BD, avec pleins de citations et de références à l'histoire de l'art ou à des sentiments intimes comme la sexualité et la peur.

« Mes références périodiques dans l'histoire de l'art sont la renaissance italienne, pour la justesse du trait ainsi que l'impressionnisme ou le fauvisme pour une peinture qui se voulait excitante visuellement. »

Le travail de Melvyn Barros pointe du doigt cette société ou l'image prime sur le fond


« J'essaie de rendre hommage au monde que l'on ne voit plus, aux choses qui nous entourent mais auxquels on ne prête plus attention dues à l'abondance d'informations que l'on subit et qui nous submergent… Aujourd'hui voir, devient un luxe. Avec mon travail je vous donne le luxe de pouvoir regarder sans en être forcé avec un art quelque peu naïf, qui ralentit le temps, accessible à tous, et qui réunit. »

La french touch figurative de l'artiste est dans l'actualité de son temps, avec un style graphique simplifié inspiré de l'art urbain ou la structure est tout aussi importante que le message.


Dernier petit Clin d'œil au monde du graff : sa signature. « Un petit bonhomme » à tête de losange rappelant symboliquement un graffeur à capuche caricaturant le monde dans l'ombre.

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Chevaux de lumière - 150 x 100 cm

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Torevador 2 -  150 x 100 cm 

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James Dean   -  110 x 110 cm 

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Coluche  -  80 x 80 cm 

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Brigitte - 80 x 80 cm 

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Brigitte - 80 x 80 cm 

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De Funès - 80 x 80 cm 

JEAN-MICHEL COLLELL

melvyn-barros

« L’Héraultais Jean-Michel Collell a exercé avec succès pendant des années diverses activités tout en pratiquant en parallèle, par pur plaisir, la mosaïque, la peinture et le dessin, en autodidacte. Très intéressé par l’art contemporain et en particulier par la sculpture contemporaine, il s’est amusé à créer des sculptures animalières en treillis métallique. Dans la lancée, regardant un jour un reportage sur le dessin hachuré et établissant un parallèle entre les hachures et le treillis, il s’est lancé le défi de réaliser des portraits d’après photo, en superposant plusieurs couches de treillis préalablement découpées. Après de nombreuses expérimentations plus ou moins réussies, de la superposition naquit le sujet désiré : une Marilyn était née. » 

Le travail demande une attention particulière de l'image pour que les formes et les ombres forment ces œuvres monochromatiques.
Ces sculptures en treillis multicouches utilisent leur réseau de fils traversants pour créer des nuances plus profondes dans des zones de concentration et, en variante, un sens de la lumière dans les zones où sont retenus les fils.

En fin de compte, ces travaux qui nécessitent beaucoup de temps sont le résultat de plusieurs feuilles de treillis en acier travaillant ensemble pour générer une image cohérente, créant des œuvres spectaculaires et saisissantes . 

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Charly Chaplin-  97x 97 cm 

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Grace Kelly-  97 x 97 cm 

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Johnny-  97 x 97 cm 

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Clint Eastwood -  97 x 97 cm 

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La désespérée-  96 x 96 cm 

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Monica Bellucci -  123 x 96 cm.           PLUS DISPONIBLE

DALI

Salvador Dalí, de son nom complet Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech, marquis de Dalí de Púbol, né à Figueras le 11 mai 1904, et mort dans la même ville, le 23 janvier 1989, est un peintre, sculpteur, graveur, scénariste et écrivain catalan de nationalité espagnole. Il est considéré comme l'un des principaux représentants du surréalisme, et comme l'un des plus célèbres peintres du xxe siècle.

Influencé très jeune par l'impressionnisme, il quitta Figueras pour recevoir une éducation artistique académique à Madrid où il se lia d'amitié avec Federico García Lorca et Luis Buñuel et chercha son style entre différents mouvements artistiques. Sur les conseils de Joan Miró, il rejoignit Paris à l'issue de ses études et intégra le groupe des surréalistes, où il rencontra sa femme Gala. Il trouva son propre style à partir de 1929, année où il devint surréaliste à part entière et inventa la méthode paranoïaque-critique. Exclu de ce groupe quelques années après, il vécut la guerre d'Espagne en exil en Europe, avant de quitter la France en guerre pour New York, où il résida huit ans et où il fit fortune. À son retour en Catalogne, en 1949, il opéra un virage vers le catholicisme, se rapprocha de la peinture de la Renaissance et s’inspira des évolutions scientifiques de son temps pour faire évoluer son style vers ce qu'il nomma « mysticisme corpusculaire ».

Les thèmes qu'il aborda le plus fréquemment furent le rêve, la sexualité, le comestible, sa femme Gala et la religion. La Persistance de la mémoire est l'une de ses toiles surréalistes les plus célèbres, le Christ de saint Jean de la Croix est l'une de ses principales toiles à motif religieux. Artiste très imaginatif, il manifestait une tendance notable au narcissisme et à la mégalomanie qui lui permettaient de retenir l'attention publique, mais irritaient une partie du monde de l'art, qui voyait dans ce comportement une forme de publicité qui dépassait parfois son œuvre. Deux musées lui furent dédiés de son vivant, le Salvador Dali Museum et le théâtre-musée Dalí. Dalí créa lui-même le second, comme une œuvre surréaliste à part entière.

La sympathie de Dalí pour Francisco Franco, son excentricité et ses œuvres tardives font de l'analyse de son œuvre comme de sa personne des thèmes difficiles et sujets à controverses.

Space Elephant- Bronze
PLUS DISPONIOBLE

space-elephant-dali

Space Elephant - Bronze
PLUS DISPONIBLE 

agnès descamps

agnes-descamps

Née en 1962, à Belfort, Agnès Descamps fait ses études aux Beaux-Arts de Mulhouse où elle obtient en 1988 son diplôme dans la section « structure et objet » avec les félicitations du jury.

Après diverses expériences, décors de théâtre, conception de mobilier et objets, graphisme, enseignement, elle entre à la Maison des Artistes en 1989 et commence sa carrière de plasticienne. D’une expression abstraite où formes fluides et lignes droites, se cherchent et s’équilibrent dans des compositions en mi-teinte, elle évolue peu à peu, à la fin des années 90 vers un travail plus figuratif où des formes de corps s’affirment, où naissent espaces et enlacements.

Ce mouvement qu’elle exprime et affine depuis plusieurs années dans des matières comme la pierre ou le bronze, trouve aujourd’hui son épanouissement dans des résines de couleur associées à des éléments en métal découpés jouant sur des contrastes de mat et brillant, de lisse et de structuré.

Plusieurs de ses œuvres peintes ou sculptées sont acquises par des collectionneurs ou des collectivités locales, ses créations dans le domaine des Arts de la Table ont séduit de nombreuses entreprises en France et à l’Etranger.

En janvier 2014, elle ouvre un 2ème atelier à Agde et partage son temps de création entre l’est et le sud… un contraste qui n’est pas sans lui déplaire. 

venus-plexi-agnes-descamps

Vénus - plexi - 35 cm

venus-plexi-agnes-descamps

Vénus - plexi -  35 cm

agnes-descamps

Color Woman - plexi - 

agnes-descamps

Color Man - plexi - 23 cm

penseur-agnes-descamps

Le Penseur - plexi - 30 cm

penseur-descamps

Le Penseur - plexi - 30 cm

penseur-agnes-descamps

Le Penseur - plexi - 30 cm

marilyn-descamps

Marilyn

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Portrait Bacon

marilyn-descamps

Marilyn résine sur cadre aluminium
110 x 110

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Marilyn vanité - sculpture évolutive 

Philip HARDISTY

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TP Hardisty est né en Angleterre en 1953, à Carlisle, dans le comté de Cumbria. A la fin des années 70 il quitte le "Carlisle College of Art" avec les honneurs; son travail est récompensé par le prix de l'étudiant de l'année. Il obtient ensuite son baccalauréat Beaux Arts dans la catégorie Peinture à la "Central School of the Art" de Londres. A cette époque, déjà, il est sélectionné pour participer à l'exposition "New Comtemporaries". Son bac en poche, TP Hardisty change de voie: il s'oriente vers le milieu des affaires au sein duquel il travaillera finalement pendant plus de 35 ans, développant de florissantes affaires à New York et au Royaume Uni. Ces années durant, sa véritable passion, celle qu'il entretient pour l'Art ne le quitta jamais et elle finit par se concrétiser en 2010, en Suisse, à Genève, à travers l'exposition de ses œuvres. Depuis lors il n'a cessé d'exposer; à Londres, Paris, New York et Miami. Ses œuvres furent plébiscitées lors de ces expositions et TP Hardisty y a gagné en notoriété.

L'œuvre de TP Hardisty est infiniment plus complexe que ce que l'on y voit de prime abord. Derrière la simplicité du canard masqué ou à travers la représentation du passage de ce monde au suivant, rien n'est immédiatement apparent. Les choses ne se révèlent que quand on y regarde de plus près, et encore pas toujours. Au second regard on découvre parfois les matériaux cachés, qui créent ces images, mais là encore, parfois seulement. Des canards en plastiques aux réflecteurs de voitures, des boites de préservatifs aux stylos aux couleurs vives, ces objets nous offrent un aperçu du monde artistique de TP Hardisty. Et là seulement, et là peut-être, l'on comprend qu'il nous faudra poser un troisième voire un quatrième regard pour appréhender la complexité, les subtilités, les reflets et les mouvements qui ne s'étaient pas dévoilés au premier regard. Et encore! Certaines œuvres de TP Hardisty ne se révèleront jamais à nous, pas même au quatrième regard. Certaines sont destinées à rester cachées, malicieusement, pour mieux nous surprendre si d'aventure nous les découvrions ou si l'on nous les expliquait. Quelques œuvres de TP Hardisty contiennent des produits photoluminescents qui dévoilent des images phosphorescentes qui apparaissent dans l'obscurité, et perdurent longtemps après que vous ayez éteint la lumière et que vous soyez allés vous coucher.

L'art de qualité apparait parfois comme simple, il est souvent intellectuellement plus facile de juger que le travail est simpliste, ou de ne le voir que comme une décoration. Peut-être est-ce à cause du médium... Mais si vous dépassez ce sentiment vous serez gratifié par la découverte de ce travail qui continuera d'évoluer sous vos yeux, physiquement, visuellement ou mentalement et ce à chaque fois que vous retournerez l'étudier.

Il ne faut pas tomber dans la facilité en jugeant que telle image ou telle forme sont simplistes; d'autant que vous seriez très loin de la vérité. Chez TP Hardisty derrière la simplicité du produit se cache l'essence de l'art: les idées et la capacité d'utiliser le produit, le tout couronné d'un côté visionnaire que tout le monde n'a pas. A tel point qu'une grande partie du talent et des capacités de TP Hardisty peuvent rester méconnus de l'observateur lambda non-initié. cet observateur ne parviendrait pas à voir plus loin que la peinture - là où souvent d'ailleurs il n'y a pas de peinture - cette dernière étant remplacée par des objets du quotidien, qui deviennent l'essence même du médium de l'artiste. Ce médium doit être utilisé comme la peinture d'une manière qui révélerait plus que la somme de ses parties. Ce qui reste caché au premier regard c'est la précision de la réalisation, l'interaction des objets entre eux, et avec les forces extérieures, les reflets et les mouvements internes. Ces éléments sont clés pour saisir l'artiste.

La plupart des pièces sont des assemblages millimétrés, même celles qui n'en n'ont pas l'air. La manière dont les objets interagissent, la répétition d'une couleur, ou une marque sur un objet qui se transformera en autre chose; une ligne ou une autre forme, qui à son tour accentuera l'image générale, ce sont là les talents de l'artiste. Parfois les objets sont positionnés de manière à former une image, familière ou non, parfois l'image provient d'un tout petit bout de l'objet, choisi précisément par l'artiste pour créer une nouvelle image, utilisant la photographie. Même la photographie de TP Hardisty est telle qu'elle, sans retouche Photoshop, non-retravaillée sur ordinateur. L'image demeure telle qu'elle fut exactement au moment où l'appareil photo fut déclenché.

Ce qui au premier regard parait simple et fortuit, ne l'est bien évidemment pas. Dans la plupart de ses œuvres l'artiste est totalement restreint par la technique qu'il a choisi d'utiliser en restant fidèle à son dogme qui consiste à ne pas vouloir altérer, couper ni modifier la forme ou la couleur du médium, en l'utilisant sous sa forme originelle, tel qu'il a été manufacturé. Voilà qui est de l'art véritable. Il est bien sûr plus aisé de faire une image si vous manipulez le médium, si vous le modifiez par rapport à ce qu'il était à l'origine, vous pouvez presque tout créer en faisant en sorte qu'il s'adapte à la forme dont vous avez besoin. Mais ne PAS transformer la taille la couleur ou la forme, travailler avec les difformités d'un matériau qui n'était pas fait pour être utilisé dans une création artistique, c'est cela le talent d'un véritable artiste. Imaginez-vous en train de faire un tableau sans pouvoir modifier les couleurs de ce tableau, ni les mélanger, ni y rajouter de l'eau, de l'huile, ou aucune autre substance, et que vous deviez l'utiliser tel quel directement hors du tube. La liste des artistes travaillant de la sorte ne doit pas être longue.

C’est seulement là que vous réaliserez que le résultat est pour la plupart des œuvres spectaculaire et de grande envergure. De l'utilisation évidente d'un banal canard en plastique d'enfant jusqu'aux objets cachés et imperceptibles qui forment l'essence même de l'œuvre de l'artiste. Quand vous aurez observé le "Beginning of life" et le "Passing from this world to the next" et que vous aurez pris connaissance de la manière dont ces œuvres ont été conçues, vous en aurez la chair de poule.

Il est très difficile de catégoriser les œuvres d'art de TP Hardisty. Est-ce du Pop Art? Probablement pas. Du Moderne contemporain? D’une certaine manière bien sûr. De l'accumulation? Peut-être, mais pas vraiment. Du recyclage? Absolument pas! Ces œuvres sont de ces formes d'Art que l'on ne peut pas ranger dans une catégorie et qui sont souvent méprisées, reléguées au second plan, négligées par la majorité... Jusqu'à ce qu'elles soient révélées au plus grand nombre par une minorité d'initiés...

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Space invaders - PLUS DISPONIBLE

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Smiley

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Triple space invaders - 

brigitte dhô

Brigitte-dhô

Fille de la lumière et du soleil de Provence, Brigitte DHÔ est née à Saint Tropez le 22 septembre 1958.

Elle grandit auprès de ses grands-parents dans le village de pêcheurs qu’est alors Saint Tropez. Issue d’une famille d’anciens marins, elle sera bercée dès sa plus tendre enfance par la douceur de la Provence et son langage si particulier. Le petit mas provençal qui la voit grandir, à deux pas de la plage des Graniers - peinte par de célèbres artistes - est une petite ferme où se côtoient nombre d’animaux. C’est par le jeu puis par le plaisir de créer, que l’art s’empare de cette jeune fille alors fascinée par la maison du célèbre peintre Paul SIGNAC, de l’autre côté de l’allée où elle vit. Sa marraine, qui remarque très vite en elle beaucoup de créativité et de spontanéité, stimule cette curiosité d’enfant en lui faisant découvrir la richesse de l’art sous toutes ses formes, tandis qu’elle accompagne son père dans les ateliers de création de céramique. La passion naît alors chez Brigitte qui accordera dorénavant une place centrale à l’art dans sa vie.

Elle est alors intimement convaincue d’avoir trouvé sa voie et désire ardemment suivre les cours des Beaux-Arts à Paris. Malheureusement, ses désirs ne sont pas partagés par ses parents qui lui font suivre une scolarité plus classique. Ce qui s’avèrera être un échec, puisqu’elle ne peut se résoudre à abandonner son rêve : se consacrer pleinement à son art.

Très tôt, elle travaille comme décoratrice sur céramique dans l’atelier de son père où elle expérimente ses premières créations tout en suivant des cours de dessin et d’aquarelle du peintre MONIN à Grimaud. Dans ses jeunes années elle expose ses créations aux ateliers d’art à Paris. Dès 1984, elle se consacre à son art et crée ses premières sculptures dans son atelier en Provence. La naissance de sa fille Sara, en 1984, marque une étape importante puisque loin de renoncer, une lumière nouvelle éclaire son travail. Dès lors, son besoin de créer devient absolument nécessaire à son équilibre. En 1993, Matthias naît. De son amour inconditionnel pour ses enfants naîtra une source d’inspiration inépuisable. Dans les années qui suivent, elle expose en Provence et dans plusieurs villes de France. En 1998, sa rencontre avec le sculpteur Michel MOURIER, grand prix de Rome, marque un véritable tournant dans son art : elle découvre la sculpture sur marbre et s’ouvrent alors d’autres horizons. Jusqu’à 2002 elle perfectionnera son art tout en suivant des formations techniques telles que le moulage et l’anatomie avec le Pr. Pierre CERVIOTTI et la fonderie d’art à l’atelier Delta 960.

Sa créativité et son imagination entrent alors dans une nouvelle dimension, elle diversifie ses sources d’inspiration et explore un grand nombre de techniques dont la peinture à l’huile, le plâtre, le bronze et le marbre.

Deux maîtres-mots caractérisent son travail : recherche assidue de la ligne épurée et simplicité afin de parvenir à l’essentiel du mouvement qui donnera vie au bronze et au marbre.

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Agathe - bronze - 46 cm

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Sara - résine cristal - 1 m
PLUS DISPONIBLE

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Sara - résine - 1m

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Sara - résine -        peinture Candy - 1m

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Grenouille XL - résine - 100x70x80 cm

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Agathe XL - résine rouge    120  cm

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El Gato  - bronze -         53 cm

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Elégante au chapeau - bronze - 46 cm

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 Drapée - bronze   70 cm

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  Agathe - bronze   - 47 cm    patine rouge marbré            

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  Agathe - résine   - 47 cm    peinture   Candy rouge           

 Anna FRAZZANI

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Anna Frazzani Est née en 1975 à Caracas Venezuela.

Elle fait ses études à Mérida Universidad de Los Andes Où elle obtient son diplôme Architecte en 2002.

Artiste Plasticienne autodidacte depuis son enfance, chemin qui lui a permis d'expérimenter avec différents matériaux en même temps, elle a fait une recherche exhaustive de la couleur dans son travail.

" J'aime à penser que
... la sensation du temps qui passe
et les possibilités que nous avons de durer
existent et peuvent être représentées ..

Je peins parce que c’est mon mode de vie, j'ai grandi dans cette atmosphère où j'ai eu la chance de développer une conscience esthétique. Donc, je ne me vois pas faire autre chose qui ne soit pas l'art. Je ne pourrais pas.
J'ai le désir d'exprimer, de mettre «cela» là, de façon tangible, parce que l'art en plus d’avoir la capacité de refléter le contexte socio- culturel associé à des situations du même genre, je me permets d’orienter les pensées du spectateur et de le rendre participant actif .
Quand je conçois une œuvre, je pense à l'histoire qui se construit autour de cela , une fois que vous commencez , elle devient le réceptacle des souvenirs et des expériences diverses qui représentent et font partie de la composition. Ma peinture est autobiographique , j'interprète les espaces dans un récit de la vie quotidienne et c’est la raison de sa nature changeante, des choses touchées par le temps et des relations que nous entretenons avec ces contextes dans lesquels dont nous faisons partie et dont avons signé les éléments de soutien . "
Anna Frazzani


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" De Vacaciones "
technique mixte sur toile 
PLUS DISPONIBLE
145 x 125 cm

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Diptique 
technique mixte sur toile 

100 x 70 cm

 FRANCOISE LEBLOND

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Françoise Leblond, Artiste peintre et sculpteur, née à Puteaux.
Membre de la Fondation Taylor.

Après avoir obtenu un diplôme d’architecture intérieure à Paris, étudié les techniques du trompe l’œil et de la fresque murale, Françoise Leblond a travaillé comme décoratrice pour les cabinets d’architecture et pour le spectacle.
En 2002, elle quitte Paris, et ouvre son atelier dans le sud de la France.
Elle expose son travail en France, et à l’étranger.
Collection Publique
2003 Ministère de la Défense

Auteur d’une œuvre unique axée sur le thème du chat, Françoise Leblond dévoile une facette inattendue de l’art contemporain par son côté tour à tour ludique et émouvant, d’une accessibilité immédiate et gommant avec malice toutes les étiquettes.

Dans ses tableaux anthropomorphiques, elle met en scène les chats, avec liberté, humour et gaieté. Son travail empreint d’un certain côté naïf, reflète son imagination et s’illustre par un univers tendre, poétique et coloré.
Discrète par nature, mais toujours audacieuse dans sa façon de revisiter les tableaux de grands maîtres, elle se joue des règles de l’art classique comme des interrogations de l’art contemporain, mais toujours avec un sens de l’esthétisme.
Les chats-sujets de Françoise Leblond ont l’art d’échapper à toute arrière-pensée et à toute intellectualisation. Ils vous vont droit au cœur, car c’est là que réside leur étrange pouvoir envoûtant
Ses sculptures stylisées, parfois sage, parfois espiègles défient l’équilibre et semblent flotter dans un rêve, richement teintées de couleurs, de motifs et de figures dont la force de la composition nous procurent des émotions inattendues.

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Ruf

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Charly

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Winston

MARCOS marin

marcos-marin

Marcos Marin est né au Brésil en 1967. Il est le fils d’un producteur de cinéma et d’une chanteuse lyrique. Très jeune, il démarre une carrière de pianiste virtuose et vient étudier la musique en France à Angers. En même temps, il se passionne pour la peinture. À la Cité des Arts à Paris en 1990, Marcos rencontre Vasarely. Intrigué par le travail de ce dernier, Marcos Marin se lance dans l’aventure de l’art optique.

Deux prix viennent couronner ses œuvres : le prix FIAT pour son œuvre sur Christophe Colomb fêtant les 500 ans de la découverte de l’Amérique (Musée FIAT de Turin) et le prix Collection Philips pour celle sur Mona Lisa. 2003 est l’année de sa première sculpture monumentale. Elle sera exposée à Coconut Grove Convention Center à l’occasion de l’inauguration de la grande foire d’art Arteamericas.

En 2004 Marcos Marin participe à Art Basel Miami. En 2009, il est invité au Japon dans le cadre de l’amitié Brésil-Japon, l’artiste obtient la reconnaissance pour l’ensemble de son œuvre.

Marcos Marin est un artiste de l’op’art et s’intéresse de plus en plus aux sculptures monumentales dans l’espace public. 

L’artiste vit et travaille désormais à Monaco.

Brigitte-bardot-marcos-marin-prestaart

Brigitte Bardot - Plexi

Brigitte-bardot-marcos-marin-prestaart

Brigitte Bardot - Plexi

David-marcos-marin-prestaart

David - Aluminium

Marilyn-marcos-marin-prestaart

Marilyn - Plexi

Noureev-marcos-marin-prestaart

Rudolf Noureev - Plexi

Debussy-marcos-marin-prestaart

Debussy - toile + cadre bois  78 x 66 cm

 Rémy nicolaon

Rémy NICOLAON est né le 6 juillet 1965 à Montluçon. Il consacre depuis son enfance son temps libre au dessin, à la peinture et au regard de la nature.

Il s'est engagé vers une profession de technicien après son baccalauréat. Puis très vite la passion du dessin; des couleurs l'a mené à quitter son travail et à reprendre des études d'architecture à Clermont-Ferrand.

Diplômé en 1995 Architecte DLPG, il exerce ce métier dans différentes agences en France et en 2001 il crée son propre cabinet à Vichy : Agence d'Architecture H&N - Rémy NICOLAON.

En dehors de son travail, pêche à la mouche, peint et sculpte. Son intérêt pour l'histoire des hommes l'a mené vers la sculpture d'animaux, notamment l'éléphant. C'est sur ce premier animal que sa technique en sculpture s'est développée.

Sa technique consiste à exagérer les formes de l'animal, à le déformer en lui donnant des formes rondes sensuelles, sphériques. L'animal est toujours représenté au repos pour figer son action.

Ce travail veut suggérer une divinité, la toute puissance de l'animal, toute sa forme intérieure, sa magnificence. Il a voulu représenter ses animaux comme l'éléphant et le mammouth avec le regard des premiers hommes sur terre en quête de divinité; le soleil ou la lune comme la sphère, les animaux imposants.

Très rapidement il est attiré par le bonze renforçant encore la notion de puissance de ses œuvres.

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 Eléphant - Bronze - PLUS DISPONIBLE

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Eléphant - Bronze - feuilles or blanc

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Eléphants

 fabien Novarino

Fabien-novarino

Originaire de Savoie, Fabien passe son enfance au cœur des montagnes où il s’adonne aux plaisirs du dessin, de la peinture et du modélisme. Il déménagera ensuite avec sa famille dans le sud de la France. Son amour pour les grands espaces va alors être bouleversé par ce changement radical, tant climatique que paysager. Cette nouvelle implantation va fortement l’influencer et définitivement asseoir sa détermination à devenir peintre.

Il suivra des études littéraires et fréquentera assidûment les musées et expositions avant d’embrasser une carrière commerciale. À 27 ans il stoppe son activité professionnelle pour se consacrer exclusivement à la poursuite de sa passion de jeunesse. D’abord proche de l’École Provençale, il réalise de nombreuses toiles aux sujets figuratifs divers, allant des paysages de sa région aux représentations de scènes de la vie quotidienne. 

Les couleurs sont vives, le geste expressif. Il élargira ensuite son champ d’exploration en portant son regard en direction de lieux résolument différents, aux contrastes marqués, tels que New York, Paris ou encore le Maroc.

Depuis 2010, Fabien intègre la photographie dans ses œuvres, faisant évoluer son travail pictural vers un langage plus contemporain.À partir de clichés personnels ou professionnels acquis en agences, Fabien conçoit des œuvres graphiques originales qui relèvent du style Néo Pop – digne héritier du mouvement Pop Art né dans les années 50 –. Réalisées à partir d’un subtil mélange de collages, dessins et pochoirs, ses toiles s’inspirent des icônes du cinéma américain et français, de l’urbanisme moderne et de l’univers des Comics. Fermement actuel, son art est un bel hommage à la société du divertissement.

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130 x 90 cm 

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130 x 90 cm

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130 x 90 cm

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130 x 90 cm - PLUS DISPO

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130 x 90 cm

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130 x 90 cm

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130 x 90 cm

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Happy Skull Therapy
Aluminium  57 x 57 cm

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130 x 90 cm - PLUS DISPO

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130 x 90 cm 

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 200 x 140 cm - PLUS DISPO

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120 x 120 cm

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120 x 120 cm PLUS DISPO

 XAVIER MARABOUT

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     Xavier Marabout naît en 1967 un vendredi 13 ! Jour de chance car cet enfant montre très tôt un vrai talent pour le dessin et la peinture.
Il réalise sa première exposition d’aquarelles en 1984 à la galerie Goguet à Evreux.

   Pourtant, dans un premier temps, c’est un tout autre chemin qui l’attend. En 1990, après des études scientifiques, il sera ingénieur commercial pour un laboratoire médical, sans pour autant cesser de peindre et d’organiser des expositions privées.

   En 2006, changement de cap, il s’inscrit à la Maison des Artistes. À partir de ce jour, il ne fera plus que peindre.
Son travail est basé sur la réalisation de mashup pictural. 

   En empruntant à la bande dessinée et à la peinture des grands maîtres , il développe peu à peu un style où le trait et la parodie sont omniprésents. 

  Locomotive du Strip-Art, Marabout revendique aujourd’hui non sans humour la synthèse des genres.....

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" Le désir informel du Loup"
Acrylique sur toile    -    60 x 60 cm
Série Tex Avery vs Picasso

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" Berthe,Corto et Raspoutine déjeunent sur l'herbe"
Huile et crayon sur toile    -    114 x 162 cm
Strip Pratt-Monet 

PLUS DISPONIBLE

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Crayon et acrylique sur papier torchon
60 x 42 cm
Strip Pratt-Monet

 Philippe SHANGTI

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Philippe Shangti  lève le voile sur sa personnalité intérieure par le biais de ses photos, dans lesquelles il laisse s’exprimer son imagination. Il donne libre cours à son extravagance, son attirance pour l’esthétisme, la mise-en-scène, la théatralisation. Sa folie personnelle se retrouve dans son expression artistique, dans la démesure de ses plateaux, dans l’excentricité de ses tableaux où il exprime et livre toutes les images quasi fantasmagoriques qui bouillonnent dans son esprit.

Sa signature : un univers pop, glamour, coloré, teinté d’humour et de provocation.
Véritable cocktail d’émotions visuelles, le travail de ce photographe autodidacte interpelle le regard. Philippe Shang interroge la société contemporaine avec ses réflexions imagées sur la drogue, le sexe, la chirurgie esthétique, la célébrité, le sport...

Ses photographies sont pour lui une arme sublime de dénonciation. Le monde de la nuit, ses acteurs et leurs excès l’inspirent. Il souhaite en révéler l’hypocrisie et le déni dans lequel s’enferment les adeptes des paradis artificiels. Il commence par un thème fort intitulé « Art vs Drug », avec sa première série véritablement engagée « No Cocaïne Here », qui présente aujourd’hui une grande diversité d’oeuvres, ou encore dans autre registre, sa toute nouvelle série « No Prostitution Here ».

Afin d’affirmer ses revendications, l’artiste ressent souvent le besoin d’écrire ses message directement sur les corps de ses modèles, dans le but de marquer les esprits autant que les chairs. Philippe Shang travaille de manière instinctive, privilégiant le casting sauvage. Même s’il fait aussi appel à des mannequins professionnels, il n’hésite pas selon ses envies à shooter des anonymes croisés dans la rue ou des amis qui se prêtent au jeu de ses fantasmes. Il crée ainsi une véritable synergie avec ses modèles, apportant à ses photographies ce supplément d’âme indispensable à un travail authen que.

L’artiste ne se considère pas comme un photographe au sens strict du terme, mais plutôt comme un metteur  en scène qui donne vie à une allégorie. Comme un chef d’orchestre qui dirige une partition d’une symphonie d’images. Toutes ses créations sont le fruit d’une genèse mûrement réfléchie ; à la manière d’un peintre ou d’un couturier, Philippe Shangti  élabore chaque œuvre en soignant les détails. Il intervient sur le choix des modèles, des tenues, des coiffures, etc... Tout participe d’une gestation longue et minutieuse pour aboutir à la mise en forme d’un puzzle imaginaire, à la réalisation d’un nouvel opus oscillant entre esthétisme et démesure, mais toujours teinté d’humour.

Editées en séries limitées, ses photos attirent rapidement la faveur des collectionneurs d’art et ne tardent pas à séduire également les personnalités et les leaders d’opinion. Son œuvre lui ouvre des portes dans le domaine de l’art contemporain, où son nom s’impose d’année en année. Il est aujourd’hui sollicité par des galeries d’art qui souhaitent présenter ses oeuvres anti - conformistes. 

Son travail a ainsi pu être admiré à Megève, Londres, Cannes, Amsterdam, Verbier, Cran-Montana, Monaco, l’Île Maurice, Paris.

 richard ORlinski

Orlinski

Richard Orlinski grandit dans le 17e arrondissement de Paris. À 4 ans, l'enfant précoce qui déborde d’idées offre à sa maîtresse des petits modelages d’éléphants et d’hippopotames. Il suit des cours de poterie, son talent est repéré, et ses sculptures en terre cuite sont présentées dans un reportage télévisé sur les jeunes prodiges.

Il se passionne jeune pour le modélisme, la harpe, la batterie, l'électricité et la course de vitesse, devenant même champion de France en 1976, à l'âge de 10 ans. Ses parents divorcent en 1978. il évoque le départ de son père comme une « délivrance ». À l'adolescence, il étudie au lycée Pasteur, fait du théâtre et de la musique. Il décroche un bac économie, obtient un Deug à l'université Paris-1 puis intègre le MBA Institute, une école de commerce. Il est coursier pour payer ses études3. Étudiant, il se remet à sculpter suite à des visites d'expositions, et découvre les grands maîtres de la peinture et de la sculpture4.

Richard Orlinski s'inscrit alors dans une école d'arts plastiques, Il dessine, peint, puis se concentre sur la sculpture, fasciné par la diversité des matières qu’il peut utiliser et la prise en compte des trois dimensions.

Diplôme en poche, il exerce les métiers de designer et d’architecte d’intérieur, travaillant également dans l'immobilier et l'événementiel. Il sculpte pendant ses loisirs. Au début des années 2000, il montre ses croquis à des personnalités du monde de l'art qui sont séduites par son travail. La galerie Artcurial lui propose de l'exposer, il refuse car il trouve que ses œuvres ne sont pas assez abouties mais il décide de se consacrer pleinement à l'art. Il quitte ses fonctions professionnelles et travaille deux ans avant de présenter au public en 2004 le Crocodile Born Wild en résine rouge.

Les galeries commencent alors à s'intéresser à son travail. Initialement boudé par le milieu parisien, il expose à Aspen (États-Unis) ou Val-d'Isère et Courchevel Il est exposé à la Fiac en 2006. Rapidement sa cote grimpe (source Artprice 2006 à 2016). Ses œuvres se multiplient et rejoignent des collections dans le monde entier. Des personnalités comme Sharon Stone et Pharell Williams comptent parmi ses premiers clients. En 2014, il a vendu une œuvre (une pin-up jaillissant de la bouche d'un crocodile en or) pour 15 millions d'euros. Il s'attaque à de nouveaux matériaux : la résine toujours, mais aussi le bronze, le marbre, le cristal, l'aluminium et même le chocolat. l réalise également des collaborations avec le chocolatier Jean-Paul Hévin, le chef Frédéric Anton, la cristallerie Daum, l’orfèvrerie Christofle et le parc Disneyland Paris. Sa pièce phare Wild Kong, figure au siège de Twitter France. En 2016, ses œuvres sont présentées dans 90 galeries dans le monde. Soucieux de rendre l'art accessible au plus grand nombre, Richard Orlinski poursuit également ses expositions à ciel ouvert.

Dans son atelier, le sculpteur fait travailler entre 100 et 150 personnes (fondeurs, mouleurs, soudeurs, polisseurs, peintres, menuisiers, marbriers). et créé un atelier de pliage inspiré des techniques de la carrosserie dans la Formule.

Curieux de nature et désireux d'exprimer sa sensibilité à travers d'autres disciplines, il décloisonne les formes d'art pour sculpter des sons et des mots. Il engage une collaboration avec les chanteurs Akon et Eva Simons. En 2017, il jouera dans le film Les Effarés de Francis Renaud.

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Cristal Panther  - 70 cm       PLUS  DISPONIBLE

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     Panther - PLUS DISPONIBLE                  

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Tag Panther  - 110 cm

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Tag Panther - 110 cm

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Wild Kong Oil - 45 cm

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Standing Wild Bear - 40 cm

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Kong

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Kong - résine cristal - 50  cm

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Horse - résine - 40 cm

PERROTTE 

Perrotte

Né en 1946 à Perpignan, il vit et travaille dans le Sud Ouest de la France.

Peintre d'origine catalane, Perrotte se révèle comme dégagé du conformisme , des idées préfabriquées , ainsi que de polémiques à caractère social. 

Disciple de Miro dans les formes et l'usage essentiellement d'une gamme chromatique pure, il exprime sur la toile la joie de vivre et nous offre une peinture de l'irréel, une peinture figurative de conception surréaliste.

Inspiré par l'école de peinture de Barcelone, dont il apprécie l'éclat et la puissance expressive des couleurs vives, il s'est approprié un style qu'il qualifie d'art "abstrait gestuel" où transparait son tempérament libre et passionné.

Ici notre satisfaction est traduite par la couleur et le geste : toute la gamme chromatique de la plus vive à la plus sourde, cernée de noir... de grands traits incisifs et aplats énergétiques au geste ferme et rapide qui expriment la passion, la force , l'éclat d'un pays.

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HOPY-  acrylique sur toile  - 92 x 60     PLUS DISPONIBLE

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YOCO  -  acrylique sur toile - 100 x 100 

                     

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TORO  -  acrylique sur toile - 100 x 100 

                     

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   acrylique sur toile - 80 x 80                                PLUS DISPONIBLE

                     

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  -  acrylique sur toile - 100 x 100
PLUS DISPONIBLE        

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-  acrylique sur toile - 80 x 80 

                     

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GIPS  -  acrylique sur toile - 65 x 92 

 chantal porras

Enfant je me suis toujours demandée si je ne m'étais pas trompée de famille. Mon intérêt pour la sculpture et le dessin s'est présenté dés mes premières années, je dessinais sur tout ce que je trouvais et je sculptais dans des bois flottés ou des écorces de pin (il y en avait beaucoup dans l'ile d'Oléron) à l'aide de l'opinel que j'avais emprunté à mon père. Mais dans une famille de viticulteurs l´art n'avait pas sa place. Les seules valeurs importantes à leurs yeux étaient le travail de la terre. Quelque part en modelant l'argile j'ai respecté ce choix.
Je me souviens de ma première sculpture c'était un petit cœur sculpté dans le bois que j'avais offert à un petit garçon dont j'étais amoureuse, je devais avoir huit ans. J'ai découvert l'argile en classe de CE2 dans un atelier organisé par l’école, quelle ne fut pas la surprise de mes enseignants de voir que j’étais enfin douée pour quelque chose.

J'ai quitté la maison familiale très jeune sans formation. Ras le bol de travailler dans les vignes et de faire les fagots de sarments l'hiver. Après quelques années de vagabondage je me suis installée à Nîmes. Un clin d'oeil du destin a voulu que je sois à deux pas de l'école des Beaux-Arts. Je me suis inscrite et j'ai suivi les cours de dessin de Jean Azémard et de sculpture avec Tjeerd Alkéma, il m'a fait découvrir le travail en plans. Moi qui m'efforçais toujours de faire le plus ressemblant possible il me disait : « arrête de faire des Barbies, le problème n'est pas là! » et il sectionnait à l'aide de son couteau, le nez ou l'oreille que je venais de passer deux heures à faire.

Ma vie de famille m'a obligée à m'éloigner pour un temps de mon désir d'art. J'ai repris il y a une dizaine d'années dans l'atelier de Jean-Jacques Darbeau. Aujourd'hui j'ai aménagé mon temps de travail afin de pouvoir sculpter plus souvent. J'ai installé un atelier à mon domicile et je travaille régulièrement. Ma palette de travail est assez large, portrait, corps figuratif ou en plan et un bestiaire.

Dans mon travail en plan, je recherche les lignes qui me permettent de ressentir la puissance et les tensions, en opposition avec le travail plus académique que je pratique en parallèle, dans le souci du détail et la subtilité des émotions, ces deux techniques me permettent de ne pas m'enfermer dans des habitudes et une certaine routine, et m'autorise la liberté de création. 

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Famille Suricates -  bronze

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Ecureuil - bronze

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Faucon - bronze

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Gorille - bronze

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Elephant - bronze

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Faucon en vol - bronze

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L'arbre à grenouilles - bronze

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Fennec - bronze

 philippe roussel

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Philippe Roussel naît à Nîmes en 1963. Artiste peintre membre de la Fondation Taylor à Paris. Référencé sur Artprice & dans le Guide Larousse de Cotation des Peintres. « Si d’aucuns doutaient encore que toute œuvre d’art, quel qu’en soit le mode d’expression, parle de son auteur, le travail de Philippe Roussel devrait finir par les convaincre.
 Car, fut-ce imperceptible à celui qui regarde, la peinture de Philippe Roussel raconte le parcours de sa vie et particulièrement les périodes fortes et les événements marquants qui l’on jalonnée.

A peine âgé de 10 ans, il triture déjà ses tubes de gouache pour peindre les paysages environnants, ceux de cette Garrigue Nîmoise qui l’entoure, si présente, si prégnante, si puissante.
Toute sa peinture restera, au fil des ans, marquée par ces années initiales et initiatrices, envahie par cette nature, enracinée dans cette terre d’enfance.

D’ailleurs, l’observateur minutieux saura déceler dans de très nombreuses toiles, la présence d’un arbre, d’un tronc dénudé, d’un branchage effeuillé, témoin de cet enracinement dans cette terre fondatrice.
Lorsque quelques années plus tard et des cours privés d’histoire de l’art, il s’engage définitivement en peinture, après avoir été tenté par l’archéologie (tiens ! tiens !), il ne reniera pas quelques influences fortes : Picasso et De Staël, leur cubisme, leurs encres... puis Tapiès qui lui ouvre les voies mystérieuses de l’abstraction mais il s’en échappe vite ; il a besoin de raconter une histoire, son histoire.

Après une période « semi-figurative », l’écriture fait son apparition dans les toiles (elle ne les quittera plus !) au côté des objets quotidiens, des (omni) présences (comme celle des Chats), des éléments issus de la nature, des événements marquants, des rencontres vitales, des récits historiques (Les Conquistadors), les souvenirs d’enfance (vacances en Camargue ou au Cap Ferret), des signes symboliques...
Désormais, la peinture de Philippe Roussel tentera en permanence de créer le lien entre ce qu’il a vécu (ou la trace qu’en laisse le souvenir) et ce que perçoit celui qui regarde. Alors la technique peut s’effacer au service de l’émotion qu’il souhaite transmettre.... »

Les travaux de Philippe Roussel sont aujourd'hui présentés dans différentes galeries de l'hexagone, en GB et aux USA. Ils sont également présents dans des collections privées, en France et à l'étranger. 

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 Sunny Brooklyn - 150 x 127 cm

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Big pianist • 145 x 115 cm - PLUS DISPONIBLE

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New York • 200 x 200 cm 
PLUS DISPONIBLE

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Le Piano - 50 x70 cm 
PLUS DISPONIBLE

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Lignes rouges - 200 x 142 cm 

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acrylique sur toile libre  - 130 x 160 cm 
PLUS DISPONIBLE

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Fenêtre sur Brooklyn  
 116 x 89 cm 

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Le Violoncelle  
 73 x 60 cm 

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Gros Chat  
 114 x 195 cm 

 stratos

Stratos

C’est en 1953 que STRATOS vit le jour en Avignon, dans cette France choisie par son grand-père, grec d’origine, tailleur de profession.

Dès l’âge de 14 ans il côtoie le monde artistique au sein d’un cabinet d’architecture, discipline à laquelle il se forme. Il va prendre alors conscience de l’esthétisme du beau de la ligne et ainsi va se développer en lui cette fibre créatrice qui ne le quittera plus jamais.

C ‘est ainsi que va naitre le créateur de forme, l’assembleur de personnages jaillissant de son pinceau, avec ce rouge éclatant, ce jaune lumineux, ce bleu si profond et ces noirs qui vont cerner toutes ses silhouettes - mère enfant, couples, musiciens… toute source de vie, de cette vie si précieuse à partager, message altruiste de l’artiste qui va tout donner.

L’itinéraire va déboucher sur les sculptures, qui vont succéder aux peintures et venir se dresser dans son univers, monumentales et lisses, métalliques et caressantes, silhouettes enchevêtrées qui se frôlent, se touchent, musiciens au violoncelle que l’on écoute que l’on entend et ces couples imbriqués, enlacés avec leur tête intimement liée qui nous donnent à penser, à rêver, on écoute leur silence. C’est STRATOS qui s’envole. 
Tenons lui bien fort la main, envolons nous avec lui dans ce monde féérique de l’enfance, profitons de ce moment donné par l’artiste pour se plonger un instant dans ce monde de la quiétude sereine, dans l’univers onirique de cette enfance qu’il nous faudra un jour quitter ; puissions nous la conserver, lui faire place dans notre cœur c’est cela le miracle de STRATOS, avec son univers de ciel étoilé multicolore et flamboyant, avec tous ses personnages qui nous tendent leurs mains et puis ces ombres métalliques qui montent vers les nuages et nous enroulent délicatement ….

Il se dégage de tout cela comme un parfum jubilatoire qui va nous rendre heureux, vraiment heureux….

stratos

L'Hymne - bronze poli - PLUS DISPO

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Totem - 1,55 m

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Ma Femme - 1,60 m - inox

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Vivre la vie - intox

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Viva - Murale encadrée

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Sentiments - inox - 70 cm

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 Univers - Murale encadrée 90x90 cm

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 Hélocoïdale -plus disponible

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Sculpture murale

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Sculpture murale

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Idan-zareski

Idan Zareski, né en 1968 en Israel, est de nationalité Française. La vie l’amènera très tôt à voyager dans de nombreux pays. Sa richesse culturelle, acquise à travers son destin, inspire aujourd’hui fondamentalement son travail. Depuis le lancement de sa série Bigfoot, Idan, dévoué a son art, obtient rapidement une renommée internationale.


Ses oeuvres ont déjà été exposées en France, en Italie, á Monaco, en Suisse, au Costa Rica, en Colombie, au Canada, et aux États-Unis.


“J’ai été doté d’une âme d’artiste, éveillée par une enfance en Afrique suivie de multiples pèlerinages à travers le monde. Mes yeux ont été nourris par des images que mes mains aujourd’hui reproduisent. Les personnages du passé parsèment mon esprit et sont la source de mes créations. Ils m’inspirent pour façonner cette terre à laquelle j’appartiens et y extraire ma vision de l’humanité et la beauté qui m’entoure.”


“Je suis toujours émerveillé quand mes émotions prennent forme et se révèlent dans un silence absolu...” 

Idan Zareski 

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Le siffleur - bronze - 30 cm

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Big foot- Bronze - 50 cm    PLUS DISPONIBLE

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Baby foot - résine

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Baby foot - PLUS DISPO

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Baby foot - résine

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Baby foot - PLUS DISPO

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BB foot - bronze -PLUS DISPO

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Bigfoot  XS- bronze - PLUS DISPO

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Le Rebelle - Bronze - 8 ex - 1,03 m x 1,30 m

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Le Rebelle - Bronze - 8 ex - 1,03 m x 1,30 m

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Le Rebelle - Bronze - 8 ex - 1,03 m x 1,30 m

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Lady Foot - Bronze - 8 ex - 56 cm

 Salvy DE SAUNHAC

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Né en 1969 à Albi

On ne s'étonne plus de rien…

Des espèces animales disparaissent tous les jours de la surface de la Terre, des présidents vulgaires et incompétents sont élus, les ordinateurs battent des humains au jeu de go, et on "achète" des hommes 100 millions d'euros pour jouer au ballon...

Non, plus rien ne semble étonnant dans ce monde qui nous impose quotidiennement des informations extraordinaires, et qui nous paraissent pourtant tellement banales.

C'est là que les artistes entre en scène, avec la lourde tâche de nous émouvoir, de capter notre attention pour nous arracher à notre torpeur.

Salvy de Saunhac y parvient avec une facilité déconcertante. Ses cochons "flashy" ; ses coccinelles "révolutionnaires" ; ses picadors "playmobil" ; ses œuvres naturalisées "peluches", son dollar dog "Mickey" ... interrogent, surprennent et ne laissent jamais de glace.

Créatif, ingénieux mais aussi terriblement facétieux, l'artiste détourne l'esprit purement déco "art-toy" pour livrer une drôle de vision du monde. L'acte est assurément généreux.

Ce don, cette envie de partage, l'artiste l'assume et imagine des animaux de résine ou de bronze à échanger, à offrir.

Hérités du "jouet", chargés d'émotions enfantines et terriblement adultes dans le propos, ces animaux peuplent un bestiaire fantastique qui n'attend que vous… et vos émotions.

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El Picador - résine  - n° 8/8

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Cocci révolution - résine 

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Cocci révolution - résine

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Cocci révolution - résine

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Cocci révolution - résine

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Cocci sur fleur métal

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Dollar Dog - Bronze - 8 ex - 1,03 m x 1,30 m

 FRançois LASSERE

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      Si l’on se doit de penser que la peinture est un art, donc une activité aboutissant à la création d’œuvres à caractère esthétique, il semble que cette conception conforme au sens du beau reste la mission première que François LASSERE essaye de nous faire partager.
       LASSERE se lance dans cette nouvelle tendance qu’il n’hésite pas à baptiser « l’OPPOSITIONISME ». Dès lors, son travail réside essentiellement dans l’étude de mise en valeur de ces styles hétérogènes pour en soustraire la plus belle harmonie.
       Le salon des indépendants 2004 à PARIS est pour l’artiste le début d’une reconnaissance du milieu professionnel. Les revues spécialisées s’intéressent à cette nouvelle tendance. C’est le cas pour « Art Actualité Magasine, Univers des arts, Pratiques des Arts, Dessins et Peintures » etc.
      LASSERE à l’invitation du directeur du magazine « Univers des arts » à Paris exposera au Palais des Festivals à Cannes à l’occasion du Festival d’Art Contemporain Franco-Japonais en juillet 2004. Il sera entouré par les plus grands peintres Français actuels.
      A Paris, La National des Beaux-Arts l’invite à exposer une œuvre dans l’un des plus prestigieux salon Mondial au Carrousel du Louvre en décembre 2004.
      Il est invité d’honneur au Centre Mondial pour la Paix à Verdun en septembre 2005, une toile sur le thème de Verdun sera gardée par le musée.
Le Livre des inventions 2007 et 2008 le fait apparaître également comme l’inventeur de la tendance Opposisioniste.
       Il fera sa première couverture du magazine Univers des arts en décembre 2008 a l’occasion d’une grande exposition à Versailles.
La fondation Taylor à Paris en 2014 l’invitera dans une de ses prestigieuses expositions aux coté de peintres contemporains s’inscrivant dans la mouvance artistique actuelle.
Aujourd'hui son travail est dans de nombreuse collections privées dans le monde, Etats unis, Japon, Allemagne, Belgique, Suisse etc.….
     Médaille d’or de l’académie de Rome en 1998, le travail de cet artiste a été exposé dans de prestigieuses galeries à Toulouse, Agen, Roussillon en Provence, Moissac, Clermont Fd, Versailles, Brive, Arcachon, Étoile, Honfleur, Paris, St Paul de Vence, Vallauris, Lyon, St Rémy de Provence, Lilles, au Luxembourg ainsi qu’en Floride et au Japon, etc….
       presse écrite et télévisuelle réalisera plusieurs reportages sur ses recherches. TF1 le suivra sur un projet de réalisation de sarcophage personnalisé lors du salon mondial d’art funéraire du Bourget.
Le magazine Univers des arts (revue européenne) met en avant en 2015 une innovation mondiale, la mise en place de vitraux intégrés dans la toile. François Lassere a mis des années pour mettre au point cette technicité des plus complexes.
       

           François Lassere considère un atelier comme un laboratoire. La recherche et l’évolution doit être les deux préoccupations d’un artiste contemporain. Cette inspiration nous incite à accompagner l’artiste dans les couloirs du temps.     

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Fire Men 11.9 - 94 x 64 cm

Lassere-prestaart

BB Paris - 94 x 64 cm

Lassere-prestaart

Liberté - 94 x 64 cm

Lassere-prestaart

Marilyn 1 - 94 x 64 cm

Lassere-prestaart

Marilyn 2- 94 x 64 cm

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Marilyn 3 - 94 x 64 cm

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